Os 20 melhores filmes de 2025, segundo Rolling Stone
Escrito em 02/12/2025
David Fear
De uma saga épica de resistência política a uma interpretação pessoal de um clássico da literatura — os destaques de um ano muito, muito bom para os cinéfilos
2025 foi um ano que levantou muitas questões para os cinéfilos: o sucesso de Pecadoresprovou que ainda existe um público enorme ávido por histórias originais (ou seja, não baseadas em propriedade intelectual) em grande escala? O acordo histórico de Ryan Coogler para que os direitos do filme retornem a ele em 25 anos mudará a forma como Hollywood lida com talentos criativos? Como o reboot do Supermanpor James Gunn transformaria o destino e a sorte do universo cinematográfico da DC? Qual seria o formato ideal para assistir a Uma Batalha Após a Outra? Qual seria a maior ameaça existencial para o cinema — a contínua atrofia da experiência cinematográfica tradicional ou a introdução da primeira “estrela” de inteligência artificial? Hamnetfaria você chorar litros e litros de lágrimas? Brad Pitt realmente dirigiu aqueles carros de Fórmula 1 em F1? Afinal, o que diabos é uma Guerreira do K-Pop?
Foi também um ano verdadeiramente excelente para grandes filmes, ponto final. Tivemos que deixar de fora alguns favoritos para reduzir a lista dos melhores de 2025 a 20 filmes. E entre as várias estreias em festivais de cinema, breves exibições para qualificação ao Oscar, destaques exclusivos de streaming e uma série de surpresas inesperadas, poderíamos facilmente ter dobrado esta lista. (Menção honrosa para: Blue Moon, F1, Is This Thing On?, One to One: John & Yoko, My Undesirable Friends, The President’s Cake, O Agente Secreto, Pecadores, Sirate The Voice of Hind Rajab.) Vários cineastas consagrados nos lembraram por que merecem esse título. Diversos estreantes lançaram filmes de estreia arrasadores que fizeram o futuro do cinema parecer mais promissor. Tivemos não uma, mas duas histórias de bastidores sobre a produção de não uma, mas duas obras-primas muito diferentes, ambientadas em séculos distintos. Para cada grande decepção, houve duas ou três grandes reviravoltas que se conectaram de maneiras que inspiraram o público, instigaram conversas e instilaram esperança de uma forma que o mundo fora do teatro não conseguiu.
Esses 20 títulos não são apenas os destaques dos últimos 12 meses. São aqueles aos quais provavelmente voltaremos ano após ano. De uma história épica de resistência a uma releitura pessoal de um clássico do terror gótico, bem-vindos aos melhores filmes de 2025.
A esta altura, você provavelmente já conhece o segredo central por trás da ambiciosa sequência do filme de terror ambientado no Airbnb, Noites Brutais (2022), do roteirista e diretor Zach Cregger, e entende por que a veterana atriz Amy Madigan está gerando grande expectativa para a temporada de premiações por sua interpretação de uma hóspede misteriosa e indesejada. Mesmo depois de todas as cartas deste thriller psicológico terem sido reveladas, a história de Cregger sobre o desaparecimento inexplicável de 17 crianças no meio da noite ainda consegue causar arrepios. Equilibrando diversas narrativas e revisitando os eventos sob a perspectiva de uma professora (Julia Garner), um de seus jovens alunos (Cary Christopher, incrível), o pai (Josh Brolin) de uma criança desaparecida e vários outros, o filme tem uma predileção por brincar com o espectador da mesma forma que um gato predador brinca com um rato ferido. O clímax explosivo é bem merecido, mas é a maneira habilidosa como Cregger entrelaça as histórias e prepara tudo para o desfecho que fica na memória, mais do que a própria recompensa. É um filme de terror que sabe como atingir seus objetivos. (Leia a crítica aqui.)
Guillermo del Toro finalmente se aventurou no filme para o qual nasceu, e sua versão do monstro incompreendido de Mary Shelley e do homem que o criou é exatamente o que se espera: elegante e ao mesmo tempo pulp, terna e ao mesmo tempo perversa, fiel ao material original e, ao mesmo tempo, homenageando diversas outras influências góticas e do gênero. Acima de tudo, porém, é uma história apaixonadamente pessoal sobre ser um pária e tentar romper ciclos de má criação — não, sério mesmo — que não economiza no som e na fúria. O Victor Frankenstein de Oscar Isaac é parte dândi do século XVIII e parte astro do rock dos anos 60, como se Lord Byron tivesse sido geneticamente fundido com Brian Jones. E para aqueles que só conhecem Jacob Elordi de Euphoria, sua interpretação empática da criatura como inocente e anjo da vingança é reveladora. (Leia a crítica aqui.)
18. Levados pelas Marés
Ao vasculhar antigas filmagens durante a pandemia, o cineasta chinês Jia Zhangke ( Prazeres Desconhecidos, Natureza Morta ) teve a ideia de usar cenas descartadas e trechos de seus filmes anteriores — todos estrelados por seus atores de longa data, Tao Zhao e Zhubin Li — para criar algo novo. Por um tempo, você embarca em uma jornada de fluxo de consciência pelas cidades e províncias rurais do país, repleta de pompa patrocinada por corporações e conflitos pessoais. É somente no terço final do filme que Jia dá a rasteira, e você percebe repentinamente que o que parecia uma apresentação de slides improvisada da prosperidade da China no início do século XXI foi cuidadosamente elaborado para partir seu coração.
Wes Anderson acerta em cheio com esta combinação de thriller de espionagem corporativa, comédia pastelão e drama familiar entre pai e filha, centrada em Anatole “Zsa Zsa” Korda (Benicio Del Toro), um misterioso magnata dos negócios internacionais. Ele está tentando garantir que seu projeto dos sonhos, envolvendo um sistema de transporte multinacional, se torne realidade antes de ser assassinado por rivais; se ele também conseguir se reconciliar com sua filha distante (Mia Threapleton), que não quer nada com o pai e anseia se tornar freira, isso é apenas um bônus. O filme tem todas as características de um projeto de Anderson, desde um elenco estelar até a fotografia meticulosamente composta que o tornou um ídolo dos cinéfilos. Mas este novo filme funciona de uma maneira genuinamente satisfatória, algo que não aconteceu com vários de seus trabalhos recentes. E nos presenteia com uma verdadeira descoberta em Threapleton, cujas reações impávidas, timing cômico e química com Del Toro fazem com que este filme primorosamente elaborado pareça ter um coração pulsando por baixo de tudo. (Leia a crítica aqui.)
16. Sobre Tornar-se uma Galinha d’Angola
O segundo filme de Rungano Nyoni, após o sucesso de Eu Não Sou uma Feiticeira (2017 ), começa com uma mulher chamada Shula (Susan Chardy) encontrando um cadáver na estrada. O fato de ela estar vestida exatamente como Missy Elliott no videoclipe de “The Rain (Supa Dupa Fly)“, incluindo o capacete prateado e o macacão preto bufante, demonstra o senso de humor ácido de Nyoni. A revelação de que o cadáver é do “Tio Fred“, um pedófilo notório que abusou cronicamente das jovens da vila por anos sem sofrer consequências, mostra que o filme também não está para brincadeira. Uma crítica contundente às proteções sociais que concedemos aos predadores para evitar constrangimentos, à vergonha desnecessária compartilhada pelas sobreviventes e à necessidade de denunciar a cumplicidade e falar abertamente, independentemente de tais estigmas.
15. Orwell: 2+2=5
O documentarista Raoul Peck retorna com um olhar sobre a transformação de George Orwell, de uma peça na engrenagem colonialista britânica (ele serviu na polícia da Birmânia na década de 1920) a crítico político, ensaísta e autor mundialmente renomado de A Revolução dos Bichos e 1984. Mesmo que o cineasta tivesse se limitado a apresentar um documentário sobre a radicalização do escritor e seus alertas sobre poder, corrupção e mentiras, este já seria essencial. Mas ele vai muito além, utilizando o formato expansivo de sua obra-primaExtermine Todos os Brutos (2021) e conectando os pontos entre esses dois romances distópicos, os regimes totalitários do século XX e as maneiras pelas quais a história tende a se repetir — como, por exemplo, na América contemporânea. É uma verdadeira torrente de informações extremamente negativas sobre como o fascismo se instala insidiosamente, reduzindo a distância entre o passado e o presente de uma forma quase avassaladora. Não se pode dizer que a perspectiva seja “boa”. Este guia introdutório, embora sóbrio, é absolutamente essencial neste momento. (Leia a crítica aqui.)
14. Best Wishes to All
Algo estranho está acontecendo em uma casa pitoresca no interior, onde uma estudante de enfermagem de Tóquio (Kotone Furukawa) está visitando seus avós. Eles parecem alegres demais às vezes, e completamente alheios em outras. A avó pergunta constantemente se sua querida está “feliz”. Ruídos estranhos ecoam pela casa depois que escurece. A jovem não se sente segura ali — e isso antes mesmo de avistar um homem gordo de meia-idade, vestindo uma cueca branca suja, rastejando pela porta da cozinha, com os olhos e a boca costurados. O primeiro longa-metragem do diretor Yûta Shimotsu circulou por festivais antes de finalmente chegar aqui — e não é exagero dizer que este é, sem dúvida, o melhor filme de terror japonês a chegar a estas terras em décadas. Tudo, desde a atuação de Furukawa até a maneira peculiar como a história revela seus segredos e os interlúdios surreais à la Lynch, funciona exatamente como deveria. De vez em quando, é preciso um empurrãozinho para lembrar às pessoas que privilégio, luxo e realização pessoal geralmente têm um preço. Este filme joga essa ideia na sua cara.
13. Une langue universelle
Confie no cineasta canadense Matthew Rankin ( O Século XX ) para nos presentear com um drama infantil iraniano clássico, completo com diálogos em farsi legendados e um vocabulário visual que lembra um Abbas Kiarostami dos anos 70 em versão light… e ambientado nos subúrbios nevados e banais de sua cidade natal, Winnipeg. Inicialmente, parece uma provocação de um cinéfilo hipster, chegando ao ponto de reproduzir o logotipo do Instituto Kanoon, de Teerã (com um peru no lugar do pássaro canoro símbolo da organização). Mas quanto mais você assiste à justaposição impávida de estilos de Rankin, mais percebe que não se trata de uma brincadeira, mas sim de uma homenagem. Não existe linguagem universal, exceto a língua franca de se ver refletido no cinema feito do outro lado do mundo e, então, responder da mesma forma.
O delírio febril de Ari Aster sobre a carnificina americana em pleno agora foi facilmente um dos filmes mais controversos de 2025 — o que, francamente, se encaixa perfeitamente na visão maluca do diretor de Hereditário(2018) sobre uma nação fatalmente dividida internamente. É um conto de fadas paranoico e androide, disfarçado de faroeste moderno nos primeiros dias da pandemia, centrado em um confronto entre um xerife (Joaquin Phoenix) e um prefeito (Pedro Pascal) em uma pequena cidade fictícia do Novo México. Aqui, todo progressismo é performático, todos os direitistas “despertos” estão a um passo de se tornarem apoiadores fanáticos de carteirinha, todas as experiências pessoais dolorosas são terreno fértil para exploração política, e toda a misantropia de ambos os lados é levada ao extremo. O que começa como uma paródia escrachada logo se revela um thriller de conspiração paranoico, assustadoramente sintonizado com a sensação ruim de que o centro do país não consegue se conter. Aster nos presenteou com mais um filme que arrepia, perturba e dá vontade de sair da própria pele. Só dá pena que pareça tão próximo de um relato não ficcional.
11. Peter Hujar’s Day
Ira Sachs ( Deixe a Luz Acessa, Passages) concentra sua atenção em uma única e longa entrevista presencial entre a escritora Linda Rosenkrantz (Rebecca Hall) e seu amigo, o fotógrafo Peter Hujar (Ben Whishaw), no centro de Nova York, em 1974. Só isso, mas, meu Deus, é mais do que suficiente para evocar um mundo perdido de figuras da cena underground, fofocas do mundo da arte, moda descolada, cultura gay pós-Stonewall e lendas da Geração Beat se comportando mal. (Só a anedota sobre Allen Ginsberg já vale o ingresso.) Uma conversa entre duas figuras falantes e luminares do Lower East Side — ressuscitadas por dois atores com talento excepcional no auge de suas carreiras — não precisa de muito mais do que a câmera para estar em foco, para ser honesto. No entanto, a maneira como Sachs transforma a conversa deles em algo como uma máquina do tempo fez deste modesto filme independente um grande destaque.
10. Valor Sentimental
O drama familiar de Joachim Trier continua sua sequência de sucessos após o aclamado “A Pior Pessoa do Mundo” (2021), que representou um recomeço criativo para o diretor. O filme também nos lembrou por que nos apaixonamos pelo trabalho do cineasta norueguês. Mais uma vez trabalhando com seu parceiro de longa data, o roteirista Eskil Vogt, e com a estrela de “A Pior Pessoa do Mundo“ , Renate Reinsve, Trier constrói cuidadosamente uma fábula moral em torno de um diretor de cinema outrora proeminente (Stellan Skarsgård) que busca um retorno triunfal com um novo projeto. Ele oferece o papel, baseado em sua filha, à sua própria filha, uma atriz de teatro ansiosa (Reinsve) que guarda rancor do pai. Em seguida, decide escalar uma estrela de cinema americana (Elle Fanning) e filmar tudo na casa da família. Um leve caos emocional logo se instala. É o tipo de fábula agridoce com a qual qualquer pessoa que já tenha lidado com traumas paternos se identificará, ou seja, com todos nós. No entanto, a forma como utiliza a dinâmica espinhosa entre os personagens para explorar como a narrativa pode tanto mascarar a dor quanto facilitar a cura vai muito além da simples relação entre heróis e vilões. Verdadeiramente notável.
9. Marty Supreme
Josh Safdie finalmente entrega ao tênis de mesa sua própria versão de Rocky— se aquele marco do cinema esportivo fosse como um ataque de pânico de duas horas, e seu herói fosse menos um azarão adorável e mais um babaca egocêntrico. Timothée Chalamet se aproxima ainda mais de ser um dos grandes com sua interpretação de Marty Mauser, um campeão mundial de tênis de mesa por volta de 1952, que funciona tanto como seu próprio fã quanto como seu pior inimigo. Ele está determinado a conseguir uma revanche com seu rival japonês a qualquer custo; e daí se algumas pontes forem queimadas no processo? É a história de sucesso americana mais ácida que você pode imaginar, ostentando o elenco mais eclético de qualquer filme deste ano (cite outro filme que inclua GwynethPaltrow, Fran Drescher, Tyler, the Creator, Abel Ferrara, o membro do Hall da Fama da NBA George Gervin e Kevin O’Leary, do Shark Tank , em seu elenco?), e oscila entre a crueza e a otimismo à moda antiga de tal forma que você começa a se sentir como uma daquelas bolinhas brancas.
8. Sorry, Baby
Do departamento de Nasce Uma Estrela: A roteirista, diretora e atriz Eva Victor se estabelece instantaneamente como uma artista multifacetada a ser reconhecida com esta história fragmentada, por vezes angustiante e frequentemente hilária, sobre uma professora universitária lidando com um trauma antigo. Já seria suficiente para Victor transpor para as telas sua voz cômica já afiada, aprimorada por shows de improvisação e tweets virais. No entanto, sua estreia sabe quando optar por risadas impávidas e quando impactar o espectador com golpes emocionais devastadores; ocasionalmente, como em uma visita a um médico cujo trato com o paciente deixa a desejar, o filme entrega ambos simultaneamente. A tentação é comparar Victor a Phoebe Waller-Bridge, especialmente porque o filme transmite fortes vibrações de Fleabag(menos a quebra da quarta parede). Mas, embora possam ser almas gêmeas, esta artista do Brooklyn, com raízes em São Francisco, explora um humor e um pathos totalmente próprios. Com atuações sólidas de Naomi Ackie, Lucas Hedges e Louis Cancelmi no elenco de apoio, você tem um filme imperdível.
Park Chan-wook ( Mr. Vingança, Oldboy ) transforma o romance de Donald E. Westlake, de 1997, sobre um empresário desempregado que elimina potenciais rivais na disputa por empregos, em uma comédia ácida, ao mesmo tempo horripilante e hilária (veja uma cena envolvendo um som alto, uma invasão domiciliar e uma arma). Lee Byung-hun, astro de Round 6, interpreta um gerente de uma empresa de papel em Seul que vê sua vida de classe média desmoronar após ser demitido. Em tempos desesperados, medidas desesperadas são necessárias, o que significa que o assassinato é uma opção. Esqueça, Jake, é o capitalismo tardio. Cenas cômicas do mundo dos negócios se misturam a críticas satíricas sobre o lado mercenário de se vender como candidato a um emprego e as condições desiguais em que se é forçado a navegar em busca de conforto e autoestima. É sombrio, emocionante e hilário. (Leia a crítica aqui.)
A premissa geral da premiada parábola do cineasta iraniano Jafar Panahi é simples: um homem (Ebrahim Azizi) tem sua viagem em família interrompida quando seu carro quebra. Um mecânico (Vahid Mobasseri) acredita reconhecê-lo como a pessoa que o torturou por anos na prisão. Ele sequestra o viajante e, em seguida, reúne vários outros ex-presidiários para confirmar que ele é de fato o culpado. O filme se desenrola, por vezes, como um suspense de tirar o fôlego, um road movie elíptico e uma espécie de farsa de bastidores que gira em torno de um possível assassinato por vingança, em vez de uma produção teatral. No entanto, cada momento atesta a obra de um mestre, até mesmo em um plano final sublime e impactante. É uma obra que propositalmente questiona a necessidade de acertar as contas. Não há nada de acidental nisso. (Leia a crítica aqui.)
5. Nouvelle Vague
Tecnicamente, qualquer um poderia criar uma recriação dos bastidores da produção de Acossado, o revolucionário filme de estreia de Jean-Luc Godard. Só Richard Linklater conseguiria transformá-lo em um glorioso filme para curtir com os amigos, no qual você acompanha o crítico que virou cinéfilo de óculos escuros enquanto ele e seu grupo de fanáticos por cinema fazem história, a 24 quadros por segundo. A maneira como Linklater identifica todos, desde lendas da Cahiers du Cinéma dos anos 60 (Chabrol, Rivette, Truffaut, Rohmer) até figuras menos conhecidas da cena cinematográfica, e reúne todos os envolvidos, dá a impressão de que ele está fazendo Os Vingadores para o público hardcore do Letterboxd— aqui estão todos os seus super-heróis favoritos da NouvelleVague francesa, reunidos para uma grande aventura coletiva. A interpretação de Guillaume Marbeck de Godard como um enfant terrible que copia frases de efeito é impagável; a narrativa de Zoey Deutch sobre a conversão de Jean Seberg de cética a verdadeira crente é sublime; A homenagem de Aubry Dullin a Jean-Paul Belmondo é um acontecimento grandioso e divertido. É puro deleite para cinéfilos. (Leia a crítica aqui.)
Você provavelmente já ouviu falar do crescente burburinho em torno da adaptação do conto de Denis Johnson, escrita e dirigida por Clint Bentley, sobre a vida e a época de um lenhador chamado Robert Granier (Joel Edgerton), que exerce sua profissão no início do século XX. Acredite no hype. É um filme contemplativo que lembra os primeiros trabalhos de Terrence Malick, com suas tomadas lânguidas da natureza e narração filosófica, enquanto Granier testemunha o melhor e o pior das dificuldades de crescimento da nação, se apaixona por uma mulher engenhosa chamada Gladys (Felicity Jones) e experimenta tanto paz de espírito quanto grandes tragédias. (Bônus: você também verá Kerry Condon como um amante da natureza simpático e William H. Macy interpretando um velho excêntrico à la Walter Brennan!) Mas o filme realmente se apoia em Edgerton, que oferece a melhor atuação de sua carreira interpretando o tipo de homem estoico e insensível que ajudou a construir a América moderna desde o início. Houveram muitas pessoas como Granier que caminharam pela Terra e partiram sem deixar rastros perceptíveis. No entanto, como este estudo de personagens cativante e belo demonstra, eles também tinham histórias para contar. Eles viveram, amaram, sentiram alegria e tristeza. Eles importaram.
3. Código Preto
A visão de Steven Soderbergh sobre amor, casamento e espionagem lembra Quem Tem Medo de Virginia Woolf? (1966) de John le Carré, acompanhando o casal de espiões Michael Fassbender e Cate Blanchett em uma situação delicada envolvendo uma agente dupla infiltrada na organização. Ele foi encarregado de descobrir quem está por trás da venda de informações confidenciais; ela é a principal suspeita. A partir daí, a situação se complica. Ainda assim, a pura diversão que o cineasta, seus protagonistas e seus colegas de elenco — Pierce Brosnan, Tom Burke, Naomie Harris, Regé-Jean Page e Marisa Abela, de Industry — demonstram ao se entregarem a um thriller clássico de espionagem e usá-lo como metáfora para fé, confiança e lutas de poder em relacionamentos é contagiante. Quer glamour de estrelas de cinema e uma desconstrução inteligente de um gênero? Você encontra tudo isso aqui.
Conheça os Shakespeares. A abordagem rigorosa, comovente e totalmente transcendente de Chloé Zhao ao romance de Maggie O’Farrell — sobre a morte prematura de Hamnet, filho de William e Anne “Agnes” Shakespeare, e como essa tragédia inspirou a peça Hamletdo Bardo — se estabeleceu imediatamente como o filme de 2025 destinado a te deixar em lágrimas. No entanto, é uma crônica sobre o acerto de contas com a morte que, ainda assim, transborda vida, renovação e renascimento. A partida do jovem Hamnet deste mundo já havia lançado as bases para uma obra-prima. Agora, isso se repetiu. Paul Mescal interpreta um Shakespeare robusto, e o jovem ator Jacobi Jupe oferece uma interpretação surpreendentemente sublime do personagem-título. Mas é a atuação de Jessie Buckley que realmente impulsiona esta história marcada pela dor, e a maneira como ela encontra consolo e catarse através da arte é reveladora. O resto é silêncio.
A estrondosa e vertiginosa epopeia de Paul Thomas Anderson é muitas coisas: uma parábola sobre pais e filhas, um thriller de conspiração para a era da deportação, uma comédia de elenco que incentiva as estrelas a mostrarem seu lado mais excêntrico, uma adaptação do romance Vineland, de Thomas Pynchon (1990), que é menos uma adaptação direta para VistaVision e mais uma breve homenagem ao autor a caminho de suas próprias reflexões profundas. Acima de tudo, porém, é um filme que captura nosso momento extremamente conturbado e, de alguma forma, o transcende, criando uma história atemporal sobre revolucionários cuidando uns dos outros enquanto inspiram a próxima geração a assumir o protagonismo.
Desde veteranos como Leonardo DiCaprio e Sean Penn atéa novata Chase Infiniti, todos estão impecáveis, embora Teyana Taylor quase conquiste o prêmio de Craque do Jogo como a rainha da guerrilha. Cada desvio peculiar, de dojos subterrâneos a reuniões do clandestino Clube dos Aventureiros Natalinos (Salve Papai Noel!), contribui para o panorama geral que PTA está esboçando de um mundo fora de seu eixo. Em sua tentativa abrangente de abarcar a Era do Grande Retrocesso em que nos encontramos, Uma Batalha Após a Outra levanta a questão: como lutar quando tudo parece perdido? Após várias cenas cômicas e descontraídas, algumas perseguições memoráveis e uma atmosfera que destila toda a agonia e o absurdo dos últimos 10 anos em uma angústia difusa, o filme oferece uma resposta. Você luta com amor. Essa é a única maneira de proteger o futuro e mudá-lo. É assim que você vive para lutar outro dia. (Leia a resenha aqui.)
